“Mejor una buena copia que el original” pues las copias certifican el valor del original, con lo que esta diferencia cada vez se hace más confusa y difusa. Con este arriesgado planteamiento, que haría retorcerse a más un@, sobre todo en estos  tiempos que corren, sobre la complejidad del concepto de la originalidad en la obra de arte comienza Abbas Kiarostami su Copia certificada (Copie conforme), primera obra que el cineasta iraní realiza en territorio europeo y para la que cuenta con ese monstruo interpretativo que es Juliette Binoche (premio a la mejor interpretación femenina en el pasado Festival de Cannes) quién llegó a manifestar públicamente sus deseos de ponerse bajo las órdenes del director de grandes obras aplaudidas por la crítica occidental como A través de los olivos (1994) o El sabor de las cerezas (1997).

Poco a nada nuevo se descubrirá a estas alturas al afirmar que los motivos y justificaciones para la  invasión y posterior guerra de Irak hace ya más de ocho años por varias potencias occidentales estuvieron bañadas de mentiras más o menos sofisticadas. El poder armamentístico de Saddam Hussein, las vinculaciones del dictador iraquí con la red Al Qaeda o las armas de destrucción masiva. Mentiras sabidas y reconocidas.

Puede que sea por el desolador contexto en el que se viene moviendo últimamente el ser humano. Puede también que sea una mera coincidencia en el tiempo de voluntades cinematográficas. La verdad es que son ya varios los documentales que se vienen estrenando en las últimas fechas que tratan de explicar o denunciar, bajo un punto de vista particular y cercano, la situación económica del eufemismo que es el mundo desarrollado.

Estar cerca de 30 años sobre los escenarios es motivo de sobra para ser una de las referencias del teatro gestual del panorama europeo. Gran parte de esas tres décadas Joseph Collard las pasa como parte del binomio conformado junto a Jean-Louis Danvoy “Les founambules” con quien lleva la comedia gestual por festivales de humor de todos los rincones de la vieja Europa.

Y John Lennon lo fue. Primero niño y luego mito. Con sus problemas, sus miedos y sus infinitas circunstancias.  Esa es la visión que Nowhere boy hace la que fue una de las figuras más influyentes del siglo pasado. Alejándose del icono que llegó a ser y centrándose en el entorno más próximo que ayudó a moldear la personalidad y la resistencia de un adolescente más.

Paseando un día por un barrio de Madrid choqué con una aglomeración de gente, música y voces nada usuales para esa zona en una tarde de viernes como esa. Siguiendo mi recorrido, veo colgada de una farola la razón de tanto alboroto: un mitin electoral. Sigo leyendo y choco con otra razón: primera consumición gratis. Viva la democracia de los grandes partidos.

Ahora que parece estar tan de moda la caza de terroristas, la ciencia ficción, de la mano de Duncan Jones, ofrece una cinta que, bajo el manto de un género que ha ofrecido algunos de los mejores títulos de la historia, especula sobre cómo se puede dar esa lucha contra el terror en un futuro tan próximo  y tan lejano.

"Discúlpenme, pero debo arrancar señalando que tres años después de que estallara nuestra horrible crisis causada por el fraude financiero masivo, ni un solo ejecutivo ha sido encarcelado, y eso está mal". De esta guisa comenzó Charles Ferguson (No End In Sight: The American Occupation of Iraq, 2007) su discurso de agradecimiento tras recibir el Oscar al mejor documental de 2010. Y esto es lo que trata de denunciar el realizador durante las casi dos horas de Inside Job, un trabajo documental que si bien no nos dice nada que no supiéramos o imagináramos a grandes rasgos, lo que sí consigue es que pongamos cara a muchos de sus responsables materiales e ideológicos. Caras sobre las que es difícil no proferir alguno de los innumerables insultos que la lengua castellana pone a nuestra disposición.

Es Susanne Bier una realizadora que en multitud de ocasiones ha confesado que lo que realmente es objeto de interés para su cinematografía son los seres humanos, su naturaleza frágil y extremadamente sensible ante aquello que le rodea, afecta y llena de dudas e incertidumbres inherentes a su existencia y cuya labor de superación, ni nos han enseñado ni, en la mayoría de los casos, acomodados en nuestras preocupaciones más superficiales, estamos interesados en aprender a afrontar.

Eres astronauta y estás destinado en lo que será la última misión del  programa del Transbordador Espacial (STS) durante las próximas dos semanas. Aunque no es tu primera incursión espacial, todavía te cuesta acostumbrarte a los amaneceres cada noventa minutos, lo que no es impedimento alguno para disfrutar de los placeres del sueño espacial, sin gravedad, bien amarrado para evitar que tu cuerpo haga un vuelo no deseado por todos los recovecos de la nave. No sientes el peso de tu cuerpo y el puesto que te ha sido asignado para ese mínimo descanso de unas 5-6 horas te aseguran unas vistas que siempre viajarán contigo. Aun así hay algo que escapa a tu control. El despertar.

Es el odio que está presente de principio a fin en esta Incendies, el verdadero protagonista de la nueva historia de Dennis Villeneuve. Un odio presente en nuestro entorno, que nos rodea y que se va filtrando a través del tiempo en una cadena cuyo último eslabón son las entrañas del ser humano. Hacía él se embarca Incendies. El realizador canadiense Denis Villeneuve (Un 32 août sur Terre, 1998; Maelström, 2000; Polytechnique, 2009), adapta la homónima obra teatral del dramaturgo canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad y que tanto cautivó a la crítica allá por 2007 en ese viaje paralelo en distintos tiempos, pero en un mismo espacio en el que madre e hija tratarán de buscas las respuestas que dibujen cierto sentido a sus existencias.

El tema central sobre el que gira esta Women without men bien podría aparecer cualquier día de estos en la sección de Internacional de cualquier medio informativo: las revueltas en un país de Oriente Medio contra el poder autoritario establecido. Esta vez el país es Irán y el tiempo se sitúa en los años 50 durante los momentos previos al golpe de Estado orquestado por Gran Bretaña y apoyado por Estados Unidos para derrocar al gobierno del primer ministro Mohammed Mosaddeq cuya nacionalización de la industria petrolífera no sentó muy bien a los intereses occidentales.

Parece ser una tónica que se viene repitiendo estos últimos años de la que sólo escapan unos pocos títulos de animación (Pixar mediante) que consiguen sorprender más allá de su técnica. Porque en unos tiempos en que la técnica se globaliza y se democratiza cada vez más y más, no ocurre lo mismo con las grandes ideas cuya frecuencia anual se puede contar con los dedos de una mano. Y alguno que otro sobraría. Y de esto trata Rango, de un excéntrico camaleón al que en la versión original pone voz Johnny Depp y cuya caracterización del personaje, alocada y un tanto atolondrada, nos recuerda al Jack Sparrow de Piratas del Caribe.

Sería deseable al intentar hablar de un remake hacerlo sin caer en la fácil tentación de la comparación de la cinta en la que está basada y abordarla como un ente independiente. Lamentándolo mucho (o no), este no será el caso. Con Bienvenidos al sur (Benvenuti al Sud) Luca Miniero adapta la comedia francesa Bienvenidos al norte (Bienvenue chez les Ch'tis) hasta el momento, película más taquillera del cine galo. Porque dar con la tecla adecuada con una comedia localista como ésta en la mayoría de las ocasiones es sinónimo de éxito.